Blog

May 06, 2023

Die Grammys

Foto: Interview mit Andy Pollitt Während Jelly Roll offiziell das Land überquert

Foto: Andy Pollitt

Interview

Als Jelly Roll mit seiner neuesten LP „Whitsitt Chapel“ offiziell Country-Territorium betritt, fühlt sich der Rapper und Country-Star wie ein veränderter Mann – und möchte denen Hoffnung geben, die sich verloren fühlen.

Als Jelly Roll zum ersten Mal mit seiner Tochter Bailee in die Kirche ging, suchte er nicht nach Erlösung. Doch als er in einer Kirchenbank saß, wurde ihm klar, dass er die Geschichte seiner eigenen Beziehung zu Erlösung und Religion erzählen musste.

„Außerhalb der Religion ist die Idee, erlöst zu werden, einfach eine großartige Idee. Die Idee, dass wir nicht das sind, was wir sind, ist so mächtig“, sagt Jelly Roll gegenüber GRAMMY.com. „In diesem Moment dachte ich: ‚Ich möchte ein Konzeptalbum schreiben, das meine Reise der Religion, meine Reise der Spiritualität, meine Reise der Erlösung, meine Reise des Fehlverhaltens umreißt.‘“

Der als Jason DeFord geborene Jelly Roll verbrachte ein Jahrzehnt in und außerhalb des Bundesgefängnisses und wurde inhaftiert, als Bailee 2008 geboren wurde. Ihre Geburt war ein Wendepunkt für den Sänger, der 2011 seine Musikkarriere als Rapper begann. Aber der Antioch Der gebürtige Tennesseer liebte Country-Musik schon immer, und als er merkte, dass er singen konnte, versuchte er, Country-Songs zu schreiben.

Was folgte, war Whitsitt Chapel, Jelly Rolls erstes Country-Album in voller Länge. Benannt nach der Kirche, in der er im Alter von 14 Jahren getauft wurde, ist die LP eine zurückhaltende, ehrliche und düstere Analyse – und manchmal auch Verurteilung – seiner eigenen Lebensgeschichte und seiner komplexen Beziehung zur Religion. Ob er in „Save Me“ „Jemand rettet mich, mich vor mir selbst“ anfleht oder darüber nachdenkt, was es bedeutet, aufzutauchen, in „Hungover in a Church Pew“ ist Jelly Rolls Religion eine des Verständnisses, der Vergebung und des Wachstums .

Whitsitt Chapel erweitert die Rohheit seiner vorherigen LP „Ballads of the Broken“ aus dem Jahr 2021 – die Jelly Roll mit „Son of a Sinner“ seinen ersten Nr.-1-Hit einbrachte – und stellt Jelly Roll als einen der faszinierendsten aufstrebenden Stars der Country-Musik vor. Seine ehrlichen Berichte über seine Kämpfe – untermalt von fesselnden, düsteren Vocals und treibenden Country-Trap-Beats – verwandeln seine Live-Shows in packende Auftritte und schaffen eine fast kirchenähnliche Atmosphäre für Fans und den Sänger selbst.

Im Gespräch mit Grammy.com am Tag der Veröffentlichung von Whitsitt Chapel sprach Jelly Roll über die Entstehung seines neuesten Albums, seine Hoffnungen auf eine Reform des Justizsystems und seinen eigenen Weg zur Erlösung.

Nun, zunächst einmal einen schönen Tag der Albumveröffentlichung. Wie fühlst du dich heute?

Oh danke. Es ist besser als ein Geburtstag. Es ist wie bei einem Abschlussball, bei dem man der König ist. Ich war noch nie auf einem Abschlussball, aber ich gehe davon aus, dass es dieses Gefühl ist.

Ihr habt diese Woche das Ryman Auditorium für eure Release-Show ausverkauft. Und ich habe gehört, dass einige Leute diese Show als ein Gefühl beschrieben haben, als würde man in die Kirche gehen. Ich bin gespannt, wie es sich von Ihrer Seite aus angefühlt hat.

Weißt du, Mann, ich finde es toll, dass die Leute das mit einem Kirchenbesuch vergleichen. Weil ich das Gefühl habe, dass wir versuchen, alle Konzerte so zu gestalten. Ich sage immer, meine Shows sind ein bisschen Hip-Hop, ein bisschen Rock, viel Country und ein bisschen wie ein Back-Road-Zelt-Revival.

Wir mischen alles Alte und Neue. Standardmäßig gibt es also viele Genregrenzen. Aber die Wiederbelebung der Nebenstraßenzelte ist nur sozusagen das Thema des gesamten Projekts. Es ist dieses altmodische „Lass uns in die Kirche gehen, lasst uns ein bisschen lautstark machen, lasst uns hier ein bisschen Höllenfeuer und Schwefel veranstalten.“ Und jede gute Sonntagspredigt hat Höhen und Tiefen, Momente, in denen man weint, Momente, in denen man glücklich ist, Momente, in denen man Angst hat, Momente, in denen man aufgeregt ist, und wir versuchen einfach, das in der Show nachzubilden.

Hatten Sie das Gefühl, dort oben zu predigen?

Ich glaube, die Musik predigt, ich rede nur. Sie wissen, was ich meine? Ich denke, die Musik ist die Predigt, ich bin nur der Diakon.

Wann hast du eigentlich angefangen zu rappen und es mit Leuten zu teilen?

Ich habe wahrscheinlich meinen ersten Rap geschrieben, als ich 10, vielleicht 11 oder 12 war. Und ich habe ihn sofort mit meiner Familie geteilt. Ich habe nicht gezögert. Der erste Rap, den ich geschrieben habe, war wirklich beschissen. Und ich rannte mit großem Stolz die Treppe hinunter, die Leute versammelten sich um den Küchentisch und ich sah zu, wie sie sich so verhielten, als ob es anständig wäre.

So wie es die Familie tut. Wie kam es dann dazu, dass Sie auf Country-Musik umgestiegen sind?

Ich wollte schon immer Country-Musik machen, weil ich einfach ein Country-Fan bin. Und ich habe das Gefühl, dass „drei Akkorde und die Wahrheit“ immer die Prämisse meiner Musik war. Ich wusste einfach nicht, dass ich singen kann. Wenn mir mit 20 jemand gesagt hätte, dass ich eine coole Singstimme hätte, hätte ich mir nicht vorstellen können, wo dieses Ding jetzt sein würde. Ich war ungefähr Mitte 30, als ich herausfand, dass ich singen konnte.

Ich machte Karaoke und wir spielten „Old Time Rock and Roll“ von Bob Seger. Ich kam von der Bühne. Und ein Produzent meinte: „Mann, du musst ein Lied machen, in dem du singst.“ Und ich dachte: „Ich hätte das vor 20 Jahren getan, wenn ich geglaubt hätte, singen zu können, ich bin ein schlechter Sänger.“ Er sagt: „Nicht das, was ich gerade gehört habe.“ Ich habe angefangen, daran zu arbeiten, und Sie können sehen, dass ich bei diesem Album „Whitsitt Chapel“ zum ersten Mal hören kann, wie wohl ich mich mit meiner Stimme fühle.

Das Songwriting und alles, die Musik, hat sich weiterentwickelt. So wie ich es sage, folgte die Musik dem Mann: Der Mann veränderte sich und dann veränderte sich die Musik, dieser große alte Haufen menschlicher Ionen hat die Musik einfach mit mir herumgeschleppt, wo auch immer ich am Mikrofon gelandet bin.

Nach diesem Karaoke-Moment hast du „Save Me“ herausgebracht, was ich als deine Brücke zur Country-Musik betrachte.

Das war die große Brücke, das war 2020, und das war der Moment, in dem alles zusammenkam. Aber Sie möchten über großartige Verbindungen als Sänger sprechen – ich musste dieses Jahr neu lernen, wie man „Save Me“ singt. Dies ist das erste Mal, dass ich diese Geschichte erzählt habe. Als ich zum ersten Mal lernte, „Save Me“ zu singen, war es die höchste Stimmlage, die ich singen konnte, und ich griff nach jeder einzelnen Note. Jetzt kann ich Oktaven darüber singen. Jetzt, wo ich höher singe, musste ich lernen, mich wieder an die tatsächliche Tonart des Liedes zu gewöhnen.

Das klingt nach einer kleinen Überraschung.

Es war interessant. Mir war nicht klar, wie weit es mir in den letzten ein, zwei Jahren ergangen war. Aber es hat Spaß gemacht. Es war cool. Weil ich lerne, bin ich noch neu in diesem Bereich. Ich denke, das ist der Grund, warum ich auch so aufgeregt bin, weil ich einfach ein bisschen mehr über die Theorie der Musik verstehe. Ich verstehe die Akkordstruktur besser. Ich verstehe Tonarten, Oktave, Tonhöhe, Kontrolle. Das sind Dinge, von denen ich keine Ahnung hatte, als ich „Save Me“ machte.

Studieren Sie im Rahmen dieses Übergangs Musiktheorie?

Nein, ich spiele nur ein bisschen Gitarre, wenn ich kann, und mache viel mehr akustische Sachen. Meine Tochter spielt ein wenig Klavier, ein wenig Gitarre. Also versuche ich einfach, alles aufzusaugen, was ich kann.

Ich denke, Religion kann viele verschiedene Dinge bewirken. Und es liegt ziemlich zentral zur Whitsitt Chapel. Können Sie mir etwas über Ihre Beziehung zur Religion erzählen?

Ich bin wirklich, wirklich, wirklich, irgendwie gegen Religion. Ich bin überhaupt nicht sehr religiös. Aber ich glaube definitiv an Spiritualität. Ich hatte diesen Gedanken: Wie ich die Kirche betrachte und wie ich sie jetzt sehe, ist anders, als ich sie jemals gesehen habe. Mir wurde klar, dass es eine Gruppe von Menschen ist, die an einen Ort gehen, um eine Gemeinschaft aufzubauen, um Vergebung zu bitten und besser zu werden.

Und wenn es richtig gemacht wird, ist es mir egal, was Sie über Jesus, Gott, Allah oder all das denken, das ist ein unglaubliches Konzept, oder? Dass die Leute hierher kommen mit der Idee, es besser zu machen, besser zu sein und Gemeinschaft zu haben. Und wenn ich das als Erwachsener betrachte – weil ich lange Zeit sauer auf die Kirche war, glaube ich, dass sie Jesus manchmal irgendwie falsch dargestellt hat –, aber wenn ich es verstehe und darauf zurückkomme, erkenne ich, was der Geist dahinter ist.

Aber dann schreibt man auch Zeilen wie „Ich rede nur mit Gott, wenn ich einen Gefallen brauche.“ Können Sie für mich die tatsächliche Spannung in dieser Zeile mit dem, was Sie mir gerade erzählt haben, beseitigen?

Nun, eines Tages saß ich hinten in einer Kirche und hörte Gottesdienstmusik. Und einfach nicht in der Lage zu sein, einen Bezug dazu herzustellen und wo ich mit meinem Wandel und meiner Spiritualität stehe. Und wenn man es aus dieser Perspektive betrachtet, fragt man sich: „Welche Verbindung habe ich, wie würde mein Lied an Gott klingen?“

Und ich habe das Gefühl: „Ich rede nur mit Gott, wenn ich einen Gefallen brauche. Ich bete nur, wenn ich kein Gebet habe.“ Die dritte Zeile in [„Need a Favor“] ist für mich die kraftvollste Zeile: „Wer zum Teufel bin ich also, wer zum Teufel bin ich, der die Rettung erwartet?“ Denken Sie nur an das Wort „erwarten“ in dieser Zeile, den Anspruch darauf. Es ging einfach darum, ehrlich zu sein, wie ich die Kirche sehe, und dann ist da noch mein persönlicher Weg mit Gott, und sie sind definitiv anders. Für mich ging es also darum, diese Musik mit diesem Geist zu schaffen.

Wie kommst du dann dazu, dieses Album nach der Kirche deiner Kindheit zu benennen?

Nun, es begann, als ich mit Bailee in ihre Kirche ging. Bailee ist also meine Tochter, sie war 14, als sie anfing, in die Kirche zu gehen, hatte sie angedeutet, dass sie sich taufen lassen wollte. [Ich dachte], nun, ich sollte nachsehen, zu welcher Art von Sekte sie geht, denn so habe ich damals die Kirche gesehen. Und dann ging ich hin und wurde an die Echtheit erinnert, die auch in diesen Mauern stecken kann. Ich wurde mehr als alles andere an die Menschlichkeit, das Mitgefühl und die Vergebung, die Liebe und die Gemeinschaft erinnert, als ich sie und all ihre Freunde dort beobachtete.

Und als ich 14 war, begann ich darüber nachzudenken, wo ich mich befinde. Ich gehe auch in eine kleine Kirche, in einer kleinen Nebenstraße auf einem Hügel, da gibt es nur diese kleinen Parallelen. Bailee hat zum ersten Mal Marihuana erlebt und sich damit beschäftigt, ich habe sie kürzlich dabei erwischt. Ungefähr im gleichen Alter beschäftigte ich mich mit Marihuana und machte Ärger. Es war nur reflektierend.

Und dann fängst du an, über Erlösung nachzudenken. Außerhalb der Religion ist die Idee, erlöst zu werden, einfach eine großartige Idee. Die Vorstellung, dass das, was wir waren, nicht das ist, was wir sind, ist so mächtig. In diesem Moment dachte ich: „Ich möchte ein Konzeptalbum schreiben, das meine Reise der Religion, meine Reise der Spiritualität, meine Reise der Erlösung, meine Reise des Fehlverhaltens umreißt.“ [Es ist] meine Sicht auf all diese Dinge, von einem 14-jährigen Kind, das sich in der Whitsitt Chapel taufen lässt, bis hin zu dem 39-jährigen Mann, der gerade zugesehen hat, wie sein 14-Jähriger getauft wurde.

Und ich denke, 14 war ein ziemlich großes Jahr für dich, zumindest ein kompliziertes Jahr für dich. Die 14 Jahre Ihrer Tochter, welche Auswirkungen hatte das auf Sie?

Das hat in mir den Wunsch geweckt, aktiv zu werden. Im selben Jahr, in dem ich mich taufen ließ, wurde ich verhaftet, und damit begann ein 10-Jahres-Zyklus der Inhaftierung. Und es geht ihr viel besser. Sie ist so viel besser, als ich es in diesem Alter jemals hätte sein können und wahrscheinlich auch jemals sein werden. Aber das war es auch, was die Drogen ausmachte, denn ich weiß, das sind die Jahre. Ich rede ständig mit Leuten. Sie sagen: „Was sind Ihrer Meinung nach die wichtigsten Jahre der Elternschaft?“ Ich sage: „Jeden Tag. Aber wenn es ein Fenster gibt, ist es 14 bis 18.“

Und bei der Ryman-Show haben Sie darüber gesprochen, zur Whitsitt Chapel zurückzukehren, um mit Ihrem Pastor zu sprechen. Was ist passiert, als du zurückgekehrt bist, und was halten sie davon, dass du das Album danach benannt hast?

Es hat meinen Glauben an Dinge wiederhergestellt. Sie holten meine Unterlagen und schickten mir ein Bild meiner Handschrift: Der 14-jährige Jason bittet um Taufe – Sie müssen eine Karte ausfüllen. Und diese Kirche führt diesen Rekord seit 24 Jahren. Verrückt, oder? An diesem Punkt frage ich mich: Ich möchte sie kennenlernen. Können wir uns ein wenig mit ihnen vergnügen? Ich wollte mich mit Pastor Ken zusammensetzen und mich mit dem Rest seiner Mitarbeiter treffen.

Ich bin gespannt, was sie über das gesamte Album denken. Ich habe ihnen ein paar Lieder vorgespielt, die sie liebten. Ihre genauen Worte waren: „Mann, wir sind einfach froh, dass er an uns denkt. Wir denken an ihn, wir lieben ihn. Wir beten für ihn. Wir sind stolz auf ihn.“

Mein Ziel in den nächsten Wochen ist es, sie zu überraschen und an einem Sonntag vorbeizuschauen. Vielleicht sollte ich diesen Sonntag gehen.

Das Timing hat doch etwas gewisses an sich, nicht wahr?

Ja, das hat etwas Ironisches.

Sehen Sie sich, nachdem Sie ein Country-Album veröffentlicht haben, voll und ganz als Country-Künstler?

Ich betrachte mich definitiv als Country-Künstler. 100 Prozent. Meine Frau erzählte mir einmal, dass die Leute sagen würden, ich sei Country, selbst wenn ich irgendwo nördlich von Ohio „Amazing Grace“ singe. Sie meint: „Du denkst vielleicht nicht, dass du Country klingst, wenn du singst, aber ich komme aus Las Vegas und du klingst Country. Wenn du im Haus Lieder singst, wie zum Beispiel ein Katy-Perry-Lied oder irgendetwas im Haus, bist du albern.“ gesundes Land. Meine Frau hat mich deswegen immer geärgert.

Nun, der Witz könnte auf ihrer Seite sein, wenn Sie jetzt ein Country-Album herausbringen.

Ist das nicht toll? Sie liebt es. Was sie am liebsten macht, ist, wenn sie in meiner gedehnten Art spricht, wenn sie den Eindruck ihres Mannes vermittelt, das ist das Beste.

Für wen hast du diese Lieder geschrieben?

Ich habe diese Lieder für alle geschrieben, die sich mit der Dualität des Lebens auseinandersetzen. Zurück zu diesem Sonntagsgottesdienst: An vielen Samstagen bin ich hinausgegangen und habe mich übertrieben. An manchen Sonntagmorgen bin ich trotzdem aufgewacht und aufgetaucht, und das ist die Dualität des Menschen.

Es ist wieder eine Art „Son of a Sinner“. Es geht immer darum, irgendwo zwischen richtig und falsch zu liegen, denn ich glaube, das ist genau der Ort, an dem ich lebe. Ich weiß, dass mein Herz rein ist. Ich weiß, dass mein Geist Recht hat. Ich weiß auch, dass ich wirklich politisch inkorrekte Witze mache. Und manchmal feiere ich, und ich bin ein bisschen albern und unverschämt. Aber ich weiß auch, dass es mir am Herzen liegt, ein Mann des Dienstes zu sein und Menschen zu helfen. Deshalb schreibe ich für diese Art von Menschen, den kämpfenden Dichter des gebrochenen Mannes. Ich versuche immer, die Stimme für die Stimmlosen zu sein.

Und Sie beenden das Album wirklich an dieser Stelle, „Hungover in a Church Pew“, oder?

Ja, das war auf dem Album wichtig, weil ich das brauchte. Denn es gibt Momente, in denen es wie „The Lost“ klingen würde: „Ich bin dafür bekannt, meine Art von Menschen zu finden/ Sie sind nicht unter Kirchtürmen zu Hause.“ Aber selbst während dieser gesamten Reise dieses Albums, alles „Hold on Me“, mein Kampf mit dem Alkohol, mein Liebeslied an meine Frau, „Save Me“, „Need a Favour“, „Dance with the Devil“. Selbst nach all dem fand ich immer noch den Weg zu diesem fröhlichen, mittelschnellen, verkaterten „Sonnenstrahl auf das Buntglasfenster, der Prediger predigt Feuer und Schwefel“. Für mich war es cool, weil ich dachte: „Ich habe dein Feuer und deinen Schwefel gehört.“ Ich bin immer auf der Suche nach Erlösung.

Und auch mitten auf der Straße, ein Fuß an zwei Stellen, oder?

Genau.

Ich bin gespannt auf mehr von Ihrer Hintergrundgeschichte. Du gehst wirklich offen damit um, ein Sträfling zu sein. Und es ist etwas, das für Ihre Identität von zentraler Bedeutung ist. Ich bin gespannt auf die Entscheidung, dies im Vordergrund Ihrer Identität zu halten.

Nun, ich werde die ganze Zeit daran erinnert. Daher denke ich, dass mein Ziel jetzt darin besteht, während ich ständig daran erinnert werde, dass ich die Menschen daran erinnern möchte, dass man sich ändern kann. Ich habe vor vier Monaten versucht, ein Haus zu kaufen, wurde aber wegen meiner Straftaten abgelehnt. Ich beschäftige mich noch heute damit.

Ich denke, es geht jetzt eher darum, die Aufmerksamkeit auf die Sache zu lenken und eine Art Justizreform herbeizuführen. Meine unentschuldbaren Verbrechen, die ich begangen habe, als ich 16 Jahre alt war. Weißt du, ich habe nicht wie ein Mann gedacht, der sich die letzten 20 Jahre davon abhalten lassen sollte.

Was sollen die Leute darüber verstehen?

Ich denke, dass wir das Jugendstrafsystem einfach noch einmal überprüfen müssen, wenn wir unsere Bemühungen auf Disziplin oder Rehabilitation konzentrieren. Und ich denke, das betrifft auch die Drogensuchtpandemie in Amerika. Richten wir unsere Aufmerksamkeit richtig auf die Rehabilitation? Finden wir schon alternative Mittel? Können wir akzeptieren, dass der Krieg gegen Drogen ein Krieg war, den wir verloren haben? Meine Geschichte ist nur ein Versuch, die Aufmerksamkeit auf diese Themen zu lenken. Und mein Ding ist, ich glaube nicht, dass es eine Einheitslösung für alle gibt. Selbst wenn es um mein Verbrechen geht, denke ich, dass diese Dinge von Fall zu Fall entschieden werden sollten.

Letztendlich haben Sie den Erlös Ihrer letzten Show in der Bridgestone Arena gespendet. War das bei verschiedenen Jugendprogrammen oder bei der Jugendstrafanstalt, in der Sie eingesperrt waren?

Wir bauten ein Atelier in der Haftanstalt, in der ich mich befand, und gewährten einigen örtlichen High-School-Schülern Stipendien. Ich wollte die gefährdeten Jugendlichen nicht nur auf inhaftierte Kinder beschränken. Weil ich glaube, dass es gefährdete Kinder gibt, die diese Entscheidung noch nicht getroffen haben, aber auch nicht wissen, wie sie aufs College gehen sollen. Ich möchte auch diesen Problemen helfen.

Was erhoffen Sie sich von dem, was dieses Geld bewirken kann?

Ich hoffe, dass es einen sicheren Raum für Kinder schaffen kann, in dem sie Musik machen und sich ausdrücken können. Aber das ist für mich insofern wichtiger, als ich hier einen 10-Jahres-Plan habe, den ich ändern möchte. Ich möchte Gruppenheime eröffnen, schließlich möchte ich Nachsorgeprogramme und Gemeindezentren eröffnen. Ich möchte andere handwerkliche Tätigkeiten in die Jugendeinrichtung einbringen, in der ich war. Ich habe mit Musik angefangen, weil es das ist, was ich weiß. Aber ich hoffe, dass ich das Friseurhandwerk und das Schweißen einbeziehen kann, was auch immer ich einbringen kann, um diesen Kindern zu zeigen, dass sie es vielleicht anders angehen können.

Liegt das daran, wie weit Sie gekommen sind?

Ich denke, das liegt daran, wie weit ich gekommen bin und an der Fähigkeit, etwas zurückzugeben. Ich will helfen. Wer bist du, wenn sich dein Leben so dramatisch verändert hat und du nicht versuchst zu helfen?

Fühlen Sie sich wie ein anderer Mensch als zu der Zeit, als Sie angefangen haben, Musik zu machen?

Ich bin so ein anderer Mensch. Man kann es in der Musik hören. Das sieht man im Zeugnis. Verdammt, ich bin stolz zu sagen, dass es mir heute besser geht als vor einer Woche. Ich habe bewusst Entscheidungen und Entscheidungen getroffen und Dinge erkannt, die mir nicht gelungen sind. Ich mache jeden Tag eine Selbstinventur.

Es ist nur die Idee, die ich durch verschiedene Programme gelernt habe, das Konzept, auf Dinge zurückzublicken und jeden Tag eine Selbstinventur zu machen: „War ich nett? War es mir egal? Was habe ich getan, was sich nicht richtig anfühlte? Habe ich etwas gesagt?“ Ich bereue es gesagt zu haben? Habe ich nicht jemanden angerufen? Habe ich nicht etwas gesagt, was ich hätte sagen sollen?“ Es wird Sie dankbar machen. Es wird Sie auch bescheiden halten. Denn manchmal lautet die Bestandsaufnahme nur: „Wofür bin ich dankbar? Was ist in den letzten 24 Stunden passiert, wofür ich dankbar bin?“

Nun, in den letzten 24 Stunden gibt es vielleicht ein paar Dinge, für die Sie dankbar sein können.

Whooo, diese letzten 24 Stunden sind voll. Es wird mich ins Wochenende tragen. Ich darf jetzt ein paar Fehler machen. Nein, ich mache nur Witze. Es ist dieses Gleichgewicht, oder? „Es ist okay, ich habe mir eine Nacht voller Rücksichtslosigkeit verdient.“

Nun ja, der Sonntag steht vor der Tür, oder?

Amen.

Lernen Sie Bailey Zimmerman kennen, den größten neuen Star des Landes, der immer noch nicht glauben kann, dass er berühmt ist

Fotos (LR, im Uhrzeigersinn von oben links): Jason Merritt/FilmMagic, NurPhoto/Corbis via Getty Images, Chelsea Lauren/WireImage, Juan Aguado/Redferns)

Besonderheit

Das achte Studioalbum von Avenged Sevenfold ist wohl ihr bisher vielseitigstes. Aber wenn man sich die komplette Diskografie der Hardrock-Band anschaut, fühlt sich die experimentelle, genreübergreifende LP vielleicht nicht wie ein so dramatischer Wandel an.

Ursprünglich aus der Punkszene von Orange County stammend, haben die Metal-Chartstürmer Avenged Sevenfold schon immer ihre persönlichen und künstlerischen Grenzen überschritten, sich New-School-Sensibilitäten zu eigen gemacht und sich gleichzeitig von klassischen Bands inspirieren lassen. Ihr neuestes Album „Life Is But A Dream…“ nimmt all ihre Einflüsse und ihre Vorliebe für genreübergreifende Songs auf und verschmilzt sie zu einer kühnen neuen Klanglandschaft.

Die 11 Titel umfassende LP – die achte von Avenged Sevenfold – zeichnet sich durch lange Laufzeiten, experimentelle Kompositionen und gelegentliche Orchesterbegleitung aus. Der schnelle Genrewechsel macht es zwar zu einer herausfordernden Sammlung, hebt das Album aber auch von anderen Werken Mainstream-Rockbands ab.

Wie „Life Is But A Dream…“ vermuten lässt, ist es die Experimentierfreudigkeit von Avenged Sevenfold, die die Band fast 25 Jahre lang aktiv und vital hält. Sie schrecken auch nicht vor komplexen Themen in ihren Texten zurück, vertiefen sich in Fantasy-Themen, thematisieren soziale und politische Themen und werden emotional in Liedern über den Tod, die Existenz und die Trauer um den Verlust ihres verstorbenen Schlagzeugers The Rev.

Während sie nebenbei mehrere hymnische Hits wie „Bat Country“ und „Hail To The King“ serviert haben, sind es gerade die tiefen Schnitte, die ihre Musik faszinierend machen. Kombinieren Sie all das mit der kraftvollen Gesangspräsenz von Frontmann M. Shadows, den mitreißenden Leads von Gitarrist Synyster Gates und ihrem Zusammenspiel mit Gitarrist Zacky Vengeance, der rhythmischen Kraft von Bassist Johnny Christ und ihrem verstorbenen Schlagzeug-Kraftpaket The Rev, ist es kein Wunder, dass die Gruppe das geschafft hat hatte von Anfang an eine treue Anhängerschaft. Das Ergebnis waren fünf mit Platin ausgezeichnete CDs, zwei Nr.-1-Alben und eine GRAMMY-Nominierung.

Als Avenged Sevenfold ihr achtes Album veröffentlichten, tauchte GRAMMY.com tief in den Katalog der Band ein, um zu untersuchen, wie Offenheit und offene Ohren sie auf lohnende musikalische Wege geführt haben.

Das Debüt von Avenged Sevenfold wurde unter primitiven Bedingungen aufgenommen. Ursprünglich ein Quartett – Shadows, Vengeance, Bassist Justin Sane und Schlagzeuger Jimmy „The Rev“ Sullivan – hatte die Band ein Budget von 2.000 US-Dollar zum Spielen. The Rev festigte sofort seinen Ruf als Schlagzeuger, indem er jeden Song in einem Take aufnahm, und die Band nahm alles andere über diese engen und oft hyperaktiven Tracks auf.

Avenged klang bei Thrash-Songs wie „Darkness Surrounding“ und „Thick and Thin“ äußerst wild und kontrastierte dies dann mit der Klavierballade „Warmness On The Soul“ und dem melodischen Punk von „Streets“, einem von Shadows früherer Band übernommenen Titel Erfolgreicher Misserfolg. Im Gegensatz zu so vielen späteren Epen fielen die meisten Stücke in den 4-Minuten-Bereich (das erste und letzte Mal für eine Avenged-Veröffentlichung), mit Ausnahme des melancholischen 7-minütigen Schlussstücks „Shattered By Broken Dreams“. Der Song beginnt im Stil einer akustischen Ballade, bevor er sich in einen elegischen Elektro-Jam verwandelt und viele ihrer Einflüsse in einer Komposition vereint.

Ein weiterer dieser Einflüsse ist offenbar ihre Heimatstadt Huntington Beach, Kalifornien, wo die Band festgestellt hat, dass sie eine sehr vielfältige, vielseitige Bevölkerung hat. Die Songs auf Trumpet spiegeln dies wider, indem sie Elemente von Metalcore, Punk und klassischem Metal zu einem rauen, wenn auch manchmal uneinheitlichen Auftritt kombinieren. Obwohl sie alle noch im Teenageralter waren, als sie das Projekt aufnahmen, war es sofort vielversprechend.

Besetzungswechsel nach der Veröffentlichung ihres Debüts führten dazu, dass im April 2001 Shred-König Synsyter Gates an der Gitarre und im September 2002 Johnny Christ am Bass hinzukamen. Als sie bei Hopeless Records unterschrieben, die ihr erstes Album neu auflegten, zeigten A7X sofort, wie die neu formierte Band zusammenwuchs mehr und gewannen mit ihrem nächsten Werk, Waking the Fallen, mehr Vertrauen in das Studio. Die Verwendung von zwei Sechssaitern steigerte die Härte und ihr Songwriting-Potenzial und war großartig, um große Gitarrenharmonien zu entfesseln.

Godsmack-Produzent Andrew Murdock (alias Mudrock) kam als Co-Produzent an Bord und drängte die Band, noch weiter zu gehen. Er zügelte absichtlich das Schlagzeugspiel von The Rev, um Chaos mit Kontrolle in Einklang zu bringen, und die Gruppe ermutigte Shadows, mehr zu singen und sich nicht nur auf das Schreien zu konzentrieren, insbesondere angesichts seiner Stimmoperation um 2002, von der er zwei Jahre brauchte, um sich vollständig zu erholen. Obwohl dieser Gesangswechsel ihr nächstes Album stark beeinflussen würde, würde er bei einigen der ersten Fans der Band nicht gut ankommen. Aber es hat dazu beigetragen, ihre Musik mehr zu öffnen. Die Singles „Eternal Rest/Chapter Four“ und „Unholy Confessions“ vermischten ihre New- und Old-School-Einflüsse gut.

Der Titel „Remenissions“ war einer derjenigen, die auf die künftige mehrdimensionale Mentalität hindeuteten und aggressiven Metalcore mit unerwarteter Akustikgitarrenarbeit vermischten. Das zweiteilige, 13-minütige „I Won't See You Tonight“ ist eines der fesselndsten Stücke des Albums, sowohl wegen seines Themas – es beschreibt aus Sanes Perspektive detailliert, wie Shadows auf Sane hereinkommt und versucht, sich das Leben zu nehmen – als auch für den Übergang von einer epischen Power-Ballade zur tosenden zweiten Hälfte, die die Reaktion von Shadows auf den Abschiedsbrief seines Freundes hervorruft.

Aus Waking The Fallen ging klar hervor, dass Avenged Sevenfold schnell erwachsen wurde. Ihre Musik und regelmäßige Tourneen, darunter die Vans Warped Tour, bereiteten den Weg für den großen Durchbruch.

Mit Murdock erneut als Produzent stellte das dritte Album der Band einen Wendepunkt dar. Shadows arbeitete mit einem Gesangslehrer zusammen, um eine düstere Metal-Qualität zu erreichen, aber seine Stimme nicht so zu übertönen, wie er es in jungen Jahren getan hatte. Live geht er immer noch mit vielen Schreien um, doch bei den Aufnahmen wählte er einen weitaus disziplinierteren Gesangsansatz, mit Mut und Kraft, der völliges Schreien vermied. (Johnny Christ übernahm die Leitung einiger der anderen Screams live.)

Das Video zur hymnischen zweiten Single „Bat Country“ gab wirklich den Ton für die neue Avenged Sevenfold an – teuflische Vegas-Bilder, in Dessous gekleidete Models und jede Menge (digitale) Fledermäuse. Der Zeitpunkt für diesen Übergang klappte gut, da der Nu-Metal-Boom zu Ende war und der Metalcore seinen Höhepunkt erreichte. Während das klassische 80er-Jahre-Hardrock- und Metal-Revival in vollem Gange war, war die Zeit reif für eine jüngere Band, diese Einflüsse – darunter Iron Maiden, Guns N‘ Roses und Metallica – zu einem neuen Sound zu formen. Avenged Sevenfold waren angekommen, schwere Riffs und majestätische Gitarrenharmonien im Schlepptau.

Vielleicht war das Metalcore-Chaos verschwunden, aber wenn man sich die rasanten Riffs und stampfenden Double-Kicks auf Tracks wie „Blinded In Chains“ und „Burn It Down“ anhört, wird klar, dass sie immer noch für Furore sorgen können. Gleichzeitig hatte sich ihr musikalisches Weltbild erweitert. Der melodische Metal von „Sidewinder“ enthielt in der erweiterten lateinamerikanischen Coda des Songs die spanische Gitarrenarbeit von Gates‘ Vater Brian Haner. „Seize The Day“ erinnerte an klassische Power-Balladen. Die letzten drei Tracks wechselten in melodischen Midtempo-Metal, einschließlich des galoppierenden, Maiden-artigen Schlussstücks „MIA“ über die Schrecken des Schlachtfeldes.

Das vierte Mal war der Reiz für das von der Gruppe selbst produzierte und selbstbetitelte Album. Das Album begann mit der Aggro-Attacke von „Critical Acclaim“, die Kritik an Keyboard-Kriegern enthielt, die über soziale Probleme jammern, aber nichts tun, um sie zu lösen. Das Album durchquerte ein wirklich breites Spektrum klanglicher Gebiete. „Scream“ lieferte mehr Groove-Metal-Intensität, „Rise“ lieferte Hochgeschwindigkeits-Power-Metal und „Gunslinger“ enthielt etwas bluesige Akustikarbeit.

Der Rev kam auf diesem Album besonders gut zur Geltung. Berichten zufolge hat er 60 % des Projekts selbst geschrieben und bei der Hälfte der Songs war er auch Co-Lead-Gesang. Es kommt selten vor, dass ein Rock-Schlagzeuger so viel Einfluss auf die Musik seiner Band hat, aber er lieferte auf jeden Fall reichlich künstlerisches Futter, das zu seinem perkussiven Antrieb passte.

Avenged Sevenfold schloss mit zwei unerwarteten Titeln ab. Zuerst gab es das 8-minütige Epos „A Little Bit Of Heaven“, kreiert von The Rev und inspiriert von Tim Burton, Danny Elfman und Oingo Boingo. Der skurrile Titel, der größtenteils mit Orchesterinstrumenten besetzt ist, erzählt eine fröhlich-morbide Geschichte über Mord, Nekrophilie, Rache der Untoten und einen Amoklauf. Im Gegensatz dazu schloss „Dear God“ das Ganze mit einer langsamen, ländlich geprägten Ballade über Einsamkeit und Sehnsucht auf der Straße ab. (Das Video erinnerte an „Faithfully“ von Journey.)

Überlassen Sie es diesen Jungs, einen Doppelsieg ohne metallischen Bombast zu erzielen.

Ursprünglich sollte es das erste Konzeptalbum der Gruppe werden, doch der tragische Tod von The Rev durch eine versehentliche Überdosis im Dezember 2009 brachte die Band vor einen unerwarteten Scheideweg. Die große Lücke, die ihr 28-jähriger Schlagzeuger hinterließ, machte sich sofort bemerkbar, und die Gruppe engagierte den damaligen Dream-Theater-Schlagzeuger Mike Portnoy, um die Aufnahme ihres nächsten Albums (aufbauend auf den vorab geplanten Schlagzeugparts von The Rev) abzuschließen und sich ihnen beim nächsten Album anzuschließen Tour. Die Wahl machte Sinn; Der Rev repräsentierte die nächste Generation von Power-Spielern wie Portnoy, und das Duo hatte sich zuvor persönlich verbunden.

Während der ursprüngliche konzeptionelle Ansatz von Nightmare aufgegeben wurde, wurde er insofern etwas konzeptioneller, als viele der Songs die Verzweiflung und den Schmerz der Band über den Verlust ihres Bandkollegen thematisierten. Die Fingerabdrücke von The Rev sind überall auf dem Album zu finden, das häufig langsamere und melodischere Songs als frühere Werke bevorzugte. Es gab aber auch thrashigere Tracks wie „God Hates Us“, die der Band einen Metalcore-Flashback bescherten.

Nightmare ist das erste von zwei Alben, die von Mike Elizondo (Eminem, Mastodon) produziert wurden, und wohl das emotionalste Album von Avenged Sevenfold. Viele der Texte brachten die Trauer und Trauer zum Ausdruck, die sie empfanden, beispielsweise in „So Far Away“. Die vom Klavier begleitete Laudatio „Fiction“ (ursprünglich „Death“ genannt) wurde von The Rev geschrieben und drei Tage vor seinem Tod fertiggestellt. Im Nachhinein war es unheimlich prophetisch, mit Texten wie „Ich habe dieses Leben verlassen, um mich zu befreien“ und „Am Ende habe ich mein Leben für dich gegeben.“

Nach dem Album- und Tourzyklus mit Portnoy holten Avenged Sevenfold ab 2011 den ehemaligen Confide-Schlagzeuger Arin Ilejay für eine Tournee und die Erstellung ihres sechsten Studioalbums. Ilejay stand vor einer gewaltigen Aufgabe: Er musste für zwei große Schuhpaare hinter dem Schlagzeug einspringen.

Hail To The King war ein Album der anderen Art. Die meisten Stücke waren im mittleren oder langsameren Tempo angesiedelt, mit eindringlichen Grooves, die dem Stück ein 80er-Jahre-Heavy-Rock-Feeling verliehen. Es ist nicht ungewöhnlich, dass einige Thrash-Bands ihren Fokus wechselten (denken Sie an Metallica und The Black Album), und dieser Tempowechsel brachte einige denkwürdige Stücke hervor.

Während Ilejay die schnelleren, donnernderen Parts von The Rev live in Angriff nahm, konzentrierte er sich bei Hail To The King auf starke, schwere Grooves. Der Ansatz der Band war hier konsequenter und der Geist von Metallica, Maiden, Megadeth und anderen Klassik- und Thrash-Ikonen dominiert das Album. Viele Bands haben Coveralben oder Songs gemacht, darunter auch Avenged; hier bieten sie eher eine Hommage-Platte.

In echter A7X-Manier wurde der Nachfolger der gestrafften Musik von Hail To The King zum ersten echten Konzeptalbum der Gruppe, allerdings thematischer und nicht mit einer linearen Erzählung. Es drehte sich um künstliche Intelligenz und den Platz des Menschen in der Welt und im Universum.

Während die Band schon früher mit dem Begriff „Prog“ in Verbindung gebracht wurde, wurde The Stage diesem Begriff wirklich gerecht, da die Gruppe mit alternativen Taktarten und komplexeren Arrangements experimentierte. Es war aggressiver Progressive Metal. Diesmal kam Produzent Joe Barresi (Coheed and Cambria, Bad Religion) mit an Bord, und Christ erklärte kürzlich, dass Barresi nie Nein zu dem sagt, was sie tun wollen – er findet einfach einen Weg, es zu verwirklichen.

Das vierte Avenged-Album, das mit Gothic-Vibes beginnt – in diesem Fall ein Keyboard-Intro im Geiste von Ozzy Osbournes „Mr. Crowley“ –, kündigte die hämmernde Tom-Arbeit die Ankunft des vierten Schlagzeugers der Gruppe, Brooks Wackerman, nach der Entlassung von an Ilejay hinter dem Kit. Wackerman verließ seinen langjährigen Auftritt bei den Punk-Ikonen Bad Religion und wechselte zu A7X, von dem sie glaubten, dass er besser zu ihrem musikalischen Weg passte. Er entfesselte auf jeden Fall kraftvolle Fills und Kicks, um zu beweisen, dass er ihrem Drum-Thron würdig ist.

Die Bühne war voller Feuer und Wut, aber die Band entspannte sich auch bei den Balladen „Roman Sky“ und „Angels“ und dem 15-minütigen genreübergreifenden „Exist“. Dieser Mammut-Track begann mit geheimnisvollem Ambient, brach in Power-Metal-Majestät aus und war durch jede Menge Gitarren-Theatralik geprägt, wobei Shadows‘ gedämpfter Gesang in der Mitte einsetzte. Dann rundete die Band das Ganze mit einer Spoken-Word-Passage des gefeierten Astrophysikers Neil deGrasse Tyson ab – metaphorisch und im wahrsten Sinne des Wortes nach den Sternen greifend.

Und jetzt kommen wir zu dem Album, das Avenged Sevenfold fast ihre gesamte Karriere lang zu machen gedroht hat. Inspiriert von Leuten wie Mike Patton und seiner experimentellen Band Mr. Bungle, verkörpern A7X in ihren neuesten Kompositionen den Ethos „Alles außer der Küchenspüle“.

Als M. Shadows ankündigte, dass die Band mit einem Orchester zusammenarbeiten würde, hatten viele wahrscheinlich Visionen von Metallicas S&M oder einem mitreißenden neoklassischen Album. Aber die Band widersetzte sich den Erwartungen, indem sie den gegenteiligen Ansatz verfolgte, und die Hälfte der Songs ist halb so lang wie typische Avenged-Songs. (Mit anderen Worten, sie dauern drei bis vier Minuten.) Sogar die schlichte, schwarze Darstellung des Todes auf dem Cover ist ein starker Kontrast zu vielen ihrer farbenfroheren früheren Albumcover.

Shadows hat erklärt, dass „Life Is But A Dream…“ Existentialismus und Absurdismus erforscht und teilweise von den philosophischen Schriften von Albert Camus sowie dem Konsum psychedelischer Drogen durch ihn und Gates inspiriert ist. Das äußerst vielseitige Album ist mit seinen häufigen Tempo- und Dynamikwechseln und seinem avantgardistischen Ansatz beim Songwriting eine Studie wilder Kontraste.

Ein halsbrecherisches Thrash-Tempo löst sich bei „Game Over“ in einer sanften Flöten-, Klavier- und Akustikgitarren-Sektion auf, oder bei „We Love You“ in monotonen Gesang und atonale Industrial-Klänge; Hypnotische Bläser und emotionaler Gesang steigern sich bei „Cosmic“ durch Gitarrendissonanzen. Allein die letzten vier Titel zitieren Elemente des Broadway, Funk, Jazz, Sinatra-artige Balladen und am Ende ein neoklassisches Klavierinstrument.

Der neueste Avenged Sevenfold-Plattenspieler kehrt zu dem zurück, was die Band von Anfang an gezeigt hat. Indem man sich selbst und sein Publikum antreibt, weiß man nie, was man von einem neuen A7X-Album erwarten kann – oder welche Spuren es beim Hörer hinterlassen wird. Es bleibt abzuwarten, wie sich dieses neueste Epos im Laufe der Zeit behaupten wird, aber „Life Is But A Dream…“ beweist, dass sich Avenged Sevenfold nicht auf ihren Lorbeeren ausruhen wird. Das ist es, was sie die ganze Zeit angetrieben hat.

Foo Fighters Essential Songs: 10 Tracks, die den ewigen Rockgeist der Band zeigen

Foto: Scott Dudelson/Getty Images für Coachella

Besonderheit

Seit dem Debüt von Christine and the Queens im Jahr 2014 hat der Indie-Pop-Sänger eine persönliche und musikalische Entdeckungsreise unternommen – und jetzt hat er das Album erstellt, das ihn verändert hat.

„Für mich ist es tot“, sagt Christine and the Queens über die klassische Popsongstruktur. „Sie haben die Popmusik mit hohem Kapitalismus getötet. Sie haben die Melodie infiziert.“

Die geborene Künstlerin Héloïse Letissier hatte schon immer ein Gespür für die Avantgarde, sprengte Grenzen und erforschte in seiner Musik Themen der Identität. (Auf „iT“, dem Eröffnungsstück seines Debütalbums von 2014, sang er denkwürdigerweise: „Sie möchte ein Mann sein, ein Mann/ Aber sie liegt/ Sie möchte wieder geboren werden, wieder/ Aber sie wird verlieren/ Sie zieht ihren eigenen Schritt selbst/ Aber sie wird verlieren, weil es eine Fälschung ist.")

Aber PARANOÏA, ANGELS, TRUE LOVE, sein viertes Album in voller Länge, das am 9. Juni über Because Music erscheint, ist ein ganz anderes Biest – sowohl eine Abkehr von den Synthpop-durchtränkten Alben davor als auch eine makellose Erweiterung seines hemmungslosen Songwritings.

Das Leidenschaftsprojekt – ein Konzeptalbum in drei Teilen, stark inspiriert von Tony Kushners Pulitzer-Preis und dem mit dem Tony-Gewinner 1991 ausgezeichneten Theaterstück „Angels in America“ und dem Tod seiner Mutter Martine Letissier im Jahr 2019 – ist eine opernhafte Glanzleistung, die traditionellen Pop zugunsten einer Ausuferung meidet , visionäre Quest erzählt über 20 Tracks und 96 Minuten. Das elysische Ergebnis ist manchmal reichhaltig und aufschlussreich, manchmal berauschend und hypnotisch.

PARANOÏA, ANGELS, TRUE LOVE stellt auch eine vollständige Weiterentwicklung der Version von Letissier dar, der vor fast einem Jahrzehnt als vielversprechender Star im Indie-Pop-Bereich auftrat. „Es hat mich verändert. Das hat es getan“, sagt Letissier über das Album. „Ich bin jetzt in Therapie und habe das richtige Geschlecht. Ich bin dabei. [Lacht.] Endlich, oh mein Gott! Es hat so lange gedauert, wie es gedauert hat, oder?“

Wenn seine aufrichtigen Gedanken ein Hinweis darauf sind, war Letissiers Reise der Selbstfindung lang und mühsam. Tatsächlich ist es keine Übertreibung zu sagen, dass die französische Sängerin eine ganz andere Künstlerin ist als die queere Popstarin, die 2014 in „Chaleur humaine“ vorgestellt wurde (die im darauffolgenden Jahr als Christine and the Queens eine englischsprachige Neuveröffentlichung erhielt). Damals identifizierte sich Letissier selbst als Frau und benutzte „she/her“-Pronomen – passend zum weiblichen Spitznamen in seinem Künstlernamen – und präsentierte Christines Androgynie als eine Art Performance-Art-Spektakel durch frühe Lieder wie das oben erwähnte „ „iT“, „Saint Claude“ und „Tilted“.

Für Chris, sein Nachfolger aus dem Jahr 2018, fügte Letissier seinem Künstlernamen und seiner Persönlichkeit eine weitere Ebene hinzu. Als titelgebender Chris schnitt sich der Sänger die Haare zu einer glatten Pompadour ab und zog eine wechselnde Garderobe voller Button-Down-Hemden, weit geschnittener Hosen und meisterhaft geschneiderter Anzüge an.

„Jede maskuline Heldenerzählung, die ich finden konnte, wollte ich mir stehlen und auf meine Größe anpassen“, sagte Letissier damals in einem Profil für die New York Times. „Auf dem ersten Album ging es um ein junges, queeres Mädchen, das etwas melancholisch war, aber jetzt lasse ich meine Muskeln spielen. Ich wollte mit einem härteren, aggressiveren Sound experimentieren.“

Dieser Ansatz führte zu Machismo-Hits wie dem funkigen „Girlfriend“ (und seinem West Side Story-artigen Musikvideo) und dem Album-Opener „Comme Si“, auf dem Chris erklärt: „There’s astole in my singing/The thick.“ einer neuen Haut / Ich bin fertig mit der Zugehörigkeit.

Zu dieser Zeit hatte Letissier begonnen, sich öffentlich sowohl als pansexuell als auch als genderqueer zu identifizieren, während er sein bei der Geburt zugewiesenes weibliches Geschlecht immer noch im Griff hatte. „Ich sage, dass ich flexibel bin, weil ich glaube, dass meine Weiblichkeit aus Andeutungen von Männlichkeit und aus Zweifeln und Zögern besteht“, sagte er gegenüber BBC Newsnight. „Ich bin mir nicht so sicher, was es bedeutet, eine Frau zu sein, auch wenn ich eine bin … Ich versuche nur, ein wenig zu dekonstruieren, weil ich glaube, dass mir Geschlechterbegriffe irgendwann etwas eng vorkamen.“

Nur ein paar Jahre später würde Letissier auf seinem Weg zur umfassenderen Selbstverwirklichung tatsächlich eine erweiterte Palette von Pronomen übernehmen, darunter sie/sie. Aber im Nachhinein betrachtet er seine ersten beiden Alben immer noch als ehrliche Darstellung dessen, wer und wo er in jedem einzelnen Moment war.

„Ich glaube, ich verstehe besser, was ich werden möchte“, sagt Chris gegenüber GRAMMY.com. „Ich habe sehr jung angefangen; mein erstes Album wurde sehr jung. Ich denke, Chris ist auch der Ausdruck [der] Anspannung meiner Nerven, aber ich dachte immer noch in Begriffen wie einer Popstruktur, dem Körper einer Frau und mir.“ hat den Rest gezähmt.

In den ersten Tagen der Pandemie 2020 veröffentlichte Letissier La vita nuova, eine emotionale EP mit der Lead-Single „People I've been sad“ und einem dazugehörigen Kurzfilm zu den sechs Songs. Bei der Veröffentlichung mit sechs Titeln standen Chris‘ Theatralik und Choreografie im Vordergrund – das Visual zu „People I’ve been sad“ zeigt ihn mit einem gehörnten Dämon auf einem Pariser Dach tanzen, während er den Eiffelturm im Blick hat –, aber er entdeckte auch neue Tiefen unmittelbar nach dem Verlust seiner geliebten Mutter voller Emotionen.

„Es gab ein echtes Gefühl der Auflösung, das ziemlich präsent war. Das ist wahr“, sagte er gegenüber NME darüber, wie er seine Trauer in „La vita nuova“ kanalisierte. [Die EP] war das Ergebnis einer Menge emotionaler kurzer Schläge in mein Gesicht im Jahr 2019 … Während der Tournee zur zweiten Platte habe ich viele tiefgreifende Dinge erlebt, und die Spannung zwischen der Tour und dem Zusammenbruch meines restlichen Lebens wurde unerträglich ."

Redcar les entzückende étoiles (Prolog), das nächste Album des Multi-Bindestrichs, erschien Ende 2022 als Vehikel für das Debüt seines neuesten Alter Egos, Redcar. Und obwohl der Titel des Albums darauf hindeutete, dass es sich um einen Vorläufer dessen handelte, was als Nächstes kommen würde, verrät Letissier, dass er bereits tief im Prozess der Entstehung von PARANOÏA, ANGELS, TRUE LOVE steckte, als ihm die Idee kam, dass das himmlische Triptychon ein französischsprachiges Album brauchte. Sprachvorläufer.

„Es fühlte sich an wie ein Prolog, den ich zuerst brauchen würde, um auf das andere Stück zurückzukommen“, sagt er über Redcar, das er in nur zwei Wochen mit Co-Produzent Mike Dean geschrieben und aufgenommen hat. „Es war also wie in diesem Korridor eines Kubrick-Films, in dem die Zeit knapp ist und man tatsächlich an etwas nach dem Kern arbeiten muss, um vor dem Kern zu funktionieren.“

Die Übernahme des Spitznamens Redcar – inspiriert durch den Anblick eines roten Autos nach dem anderen auf den Straßen von Los Angeles nach dem Tod seiner Mutter – gab Letissier auch den Raum, seine Identität als Transmann anzunehmen.

Er beschrieb sein Coming-out und seine sich entwickelnde Beziehung zum Geschlecht in einem Vogue-Profil anlässlich der Veröffentlichung von Redcar les gorgeouss étoiles (Prolog) im vergangenen November. „Meine Herangehensweise an die Vergänglichkeit wird weder besonders erfreulich noch beruhigend sein, da ich nicht glaube, dass ich irgendjemanden mit irgendeiner Art von Vergänglichkeit trösten sollte.

„Meine Geschichte handelt von Toleranz und kollektiver Dekonstruktion“, fuhr er fort. „Ich möchte meinen Körper so behalten, wie er ist. Ich komme heraus, um glücklich und frei zu sein, um geliebt zu werden und zu lieben, um mein Fleisch und seine Widersprüche zu genießen, um dabei zu helfen, das Bewusstsein aller zu erweitern – und zwar langsam, wie ich hoffe, für die Zukunft.“ Generationen, die diese binäre, kapitalistische Herangehensweise an das menschliche Leben entwurzeln … Redcar ist die Darstellung dessen, was ich durchgemacht habe.“

Und wenn (Prolog) ein Einblick in Letissiers künstlerische und persönliche Transformation war, entfaltet sein Nachfolger den Rest seiner Geschichte in seiner ganzen seraphischen Pracht.

„Durch das Licht, erinnere dich. Höre, mein Baby. Willkommen in der Geschichte der Geschichten. Willkommen in der Geschichte deines eigenen Lichts, mein Kind. Willkommen im Licht“, verkündet Letissier die bombastische „Ouvertüre“, die PARANOÏA eröffnet. „Aus meiner Sicht ist alles herrlich.“

Mit dieser Proklamation macht der Künstler deutlich, dass er tatsächlich das typische Pop-Regelwerk über Bord geworfen hat und kein Interesse daran hat, zurückzublicken. „Ich habe das Gefühl, dass die Hyperrationalisierung der Effizienz in der Popmusik den Spaß ein wenig zunichte macht“, sagt er. „Wir arbeiten in sehr engen Maßstäben und in sehr gleichen Intervallen. Wir suchen nach Effizienz, und ich wollte nach der Wahrheit suchen, quoi.“

Das Ergebnis sind 96 Minuten herrlich dichte, kraftvolle Musik, die es irgendwie schafft, sowohl in ihrer Konstruktion als auch in ihrer Darbietung gleichzeitig grandios und komplex zu sein. Chris legt mittelalterliche Harmonien über ätherische, traumhafte Klanglandschaften – er begrüßt himmlische Besuche und denkt über das Unsichtbare nach, während er die Trauer über den Tod seiner Mutter verarbeitet und nach Transzendenz strebt, um dem zu dienen, was „das Unsichtbare“ von ihm verlangt.

Madonna – die er ehrfurchtsvoll sowohl als „Metatron, quoi“ als auch als „Engel der Transformation“ bezeichnet – spielt in mehreren Tracks eine Schlüsselrolle als allwissende, ambivalente Figur, die als „One Big Eye“ bezeichnet wird.

Letissier schwebt über der hochgesinnten Erzählung des Albums und beschreibt Madonnas One Big Eye entweder als „die Stimme der großen Simulation“, als „einen verkleideten Engel“, möglicherweise als die Stimme seiner eigenen verstorbenen Mutter, die „aus der Ferne spricht“ oder sogar als die Stimme des Heiligen Maria selbst – oder noch besser, alle auf einmal. (070 Shake verkörpert auch ihren eigenen Engelscharakter in den ANGELS-Songs „True Love“ und „Let me touch you Once.“)

Laut Letissier war ein solch extremer kreativer Prozess anders als alles, was er zuvor erlebt hatte, und als er an den Rand gedrängt wurde, stellte er zeitweise sowohl seine Praxis als Musiker als auch seine Fähigkeit, als Gefäß für die Musik zu fungieren, die er war, in Frage Empfang.

„Ich erinnere mich, dass ich irgendwann so verloren in den Stimmen, die ich hatte, und in den Möglichkeiten dachte: ‚Ich könnte auch sehr verrückt sein‘“, sagt er mit einem schiefen Grinsen. „Und ich fragte tatsächlich einen Schamanen: ‚Werde ich tatsächlich klarer? Oder bin ich einfach nur verrückt?‘ Sie sagte: ‚Beides, mein guter Herr. Denn das Multiversum ist real.‘“

Schon bald entstanden Songs wie „Tears can be so soft“, „He's been shining for ever, my son“ und „To be ehrlich“, die oft in einem einzigen Take am frühen Morgen geschrieben wurden und wie ein Blitz der Inspiration eintrafen. Rückblickend sagt Letissier, dass die Erfahrung ihn zu einem „verrückten betenden Mann“ gemacht habe, der sich ausschließlich einer fast spirituellen Praxis widmete. „Ich habe meine Praxis noch nie so sehr verinnerlicht. Ich wurde wahnsinnig. Ich war sozusagen besessen. Ich desozialisierte mich. Ich betete stundenlang, ging spazieren. Die verrücktesten Dinge passierten mir, aber sehr dürftig, sehr im Gewebe verankert.“ meines Tages und ich war allein und betete.

„Und das Verrückte an unserer Kunstfertigkeit ist meiner Meinung nach, dass wir die meiste Zeit mutig sein müssen“, fährt er fort. „Viel mehr als nur geschickt müssen wir mutig sein. Unerbittlich. Geduldig. Ausdauernd. Mehr als nur die Talente, die wir haben, kleinzureden.“

Glücklicherweise, sagt der Sänger, habe seine leidenschaftliche Hingabe an die Schöpfung von PARANOÏA, ANGELS, TRUE LOVE ihn zu einer Art Heilung geführt und ihn dem Geist seiner Mutter näher gebracht.

„Es war ein erschreckendes, aber wunderschönes Fest. Es kam mir wie ein Geistergespenst vor“, gesteht er. „Aber darüber hinaus fühlte es sich gesegnet an. Es fühlte sich an, als würde ich mich manchmal durch meine Stimme an ihre Stimme erinnern. Ich hatte fast das Gefühl, dass sie die Lieder selbst berührt. Es gibt ein Lied mit dem Titel „I met an angel.“ Als ich es geschrieben habe, heißt es: „Öffne dein Herz, meine Liebe“ und so. Ich dachte: „Sie spricht. Sie sagt mir nur, dass es in Ordnung ist, ich zu sein und einfach dieser Musiker zu sein. Dieser Mann.“

„Jemanden, den man liebt, zu verlieren, ist natürlich eine schreckliche Erfahrung voller Schmerz und so weiter“, fügt Letissier hinzu. „Aber das Tolle an der Liebe, wenn sie so tief ist, ist, dass sie einen Weg gefunden hat, sich durch Magie um mich zu kümmern. Ich glaube das, ich habe keine Angst zu sagen, dass ich fast jeden Tag mit ihr spreche. Ich habe das Gefühl, wenn ich Als ich mehr über mich selbst verstand, nannte sie mich „mein Sohn“. Weißt du, ich habe das Gefühl, dass du die Bindung nie zerbrichst.“

Jetzt, wo er kurz davor steht, PARANOïA, ANGELS, TRUE LOVE mit der Welt zu teilen, ist Letissier nicht nur zu seinem wahren Selbst gelangt, sondern erkennt auch, wie notwendig jeder Schritt, jedes Lied und jedes Album war, um ihn an diesen Punkt zu bringen.

„Das Gute an mir ist, dass ich ein so konsequenter Mann bin“, sagt er. „Ich war die ganze Zeit ehrlich. Das Tolle, was mich in der Therapie vor Selbsthass bewahrt hat – vor der Erkenntnis, wie blind ich für meinen Zustand war – war, dass die Musik die ganze Zeit da war und es sagte. Das war ich.“ eine ehrliche Mutterliebhaberin in meiner Praxis. Mein großer Fehler war, den Leuten zu sagen, dass es eine Aufführung war.“

Herbal Tea & White Sofas: River Shook enthüllen ihren größten Kampf auf Tour

Foto: Mit freundlicher Genehmigung von La'Ron Hines

Video

Der Content-Ersteller, Schauspieler und Sänger La'Ron Hines präsentiert seine dritte Veröffentlichung als Künstler – ein selbstbewusstes Liebeslied mit dem Titel „Down“ – mit einer welligen, von einer E-Gitarre getragenen Performance.

Mit seiner neuesten Single „Down“ erzählt der R&B-Newcomer La'Ron Hines die leidenschaftlichen Zutaten einer aufkeimenden Beziehung: knisternde Chemie, glühende Verliebtheit und intensiver Charme. Hines sieht alles vor allem durch eine rosarote Brille und ist davon überzeugt, dass sie gemeinsam die Welt erobern können.

„Ich kann dich wahrscheinlich in den Groove versetzen/ Will dich ganz entspannt kennenlernen/ Movin' to the beat/ We can Shut It Down It“, singt Hines im Refrain des Tracks. „Ich habe irgendwie Durst nach mehr, ja/ Das Gras ist immer grün bei dir/ Lass es uns süß und einfach halten, lass uns gehen.“

In dieser Folge von Press Play liefert Hines eine mitreißende Darbietung von „Down“. Er hält es einfach und spielt das Lied über einer wellenförmigen E-Gitarre.

Hines begann eine Musikkarriere, nachdem er auf TikTok berühmt wurde (insbesondere mit seinen Quizvideos für Kindertagesstätten), was ihm einen Platz in der Forbes-Liste „Top Creators of 2022“ einbrachte. „Down“ ist die dritte Single in seinem wachsenden Katalog als Sänger und folgt die Veröffentlichung seines Dezember-Albums „Web of Lies“.

Sehen Sie sich das Video oben an, um zu sehen, wie La'Ron Hines in dieser exklusiven Aufführung seiner charismatischen neuen Single „Down“ wird, und schauen Sie noch einmal auf GRAMMY.com vorbei, um weitere Folgen von Press Play zu sehen.

Lizzy McAlpines großes Jahr: Die virale Sängerin beschreibt die größten Momente hinter ihrer rasanten Karriere

Nachricht

Das GRAMMY U Mixtape ist eine monatliche, genreübergreifende Playlist, die Ihren Durst nach neuen Songs stillt, alles von studentischen Mitgliedern. Werfen Sie diesen Monat einen Blick zurück auf die diesjährigen vorgestellten Mitglieder und Fanfavoriten.

Wussten Sie, dass Songwriting und Performance unter allen GRAMMY U-Studenten zu den gefragtesten Studienfächern gehören? Wir möchten einen Raum schaffen, um zu hören, was diese Studenten heute schaffen.

Das GRAMMY U-Mixtape, das jetzt für Ihr Hörvergnügen verfügbar ist, hebt die Kreationen und frischen Ideen hervor, die Studenten direkt auf den Spotify-, Amazon Music- und Apple Music-Seiten der Recording Academy in diese Branche einbringen. Unser Ziel ist es, die GRAMMY U-Mitglieder sowie die Zeit und Mühe zu würdigen, die sie in die Erstellung origineller Musik gesteckt haben – vom Songwriting-Prozess bis zur endgültigen Produktion des Titels.

Jeden Monat nehmen wir Einsendungen entgegen und stellen 20 bis 25 Songs vor, die zum Thema des Monats passen. Diesen Monat haben wir die perfekte Musikmischung zusammengestellt, um alle zu begeistern und auf ihr Training vorzubereiten. Die Summer Rewind-Playlist enthält Musik von den Gewinnern des 9. jährlichen GRAMMY U Nashville Songwriter Showcase, ausgewählten GRAMMY U-Künstlern, die im vergangenen Jahr bei GRAMMY U-Events aufgetreten sind, und einigen Fanfavoriten.

Was hält Sie also davon ab? Drücken Sie auf dem Mixtape von GRAMMY U auf „Play“ und hören Sie es sich jetzt unten auf Spotify oder auf Apple Music und Amazon Music an.

Möchten Sie in der nächsten Playlist enthalten sein? Reichen Sie noch heute Ihre Songs ein! Wir nehmen derzeit Einsendungen für Songs aller Genres entgegen, die für unsere Februar-Playlist berücksichtigt werden sollen. Ob Sie Pop, Rock, Hip Hop, Jazz oder Klassik schreiben, wir möchten von Ihnen hören. Die Musik muss vom studentischen Mitglied geschrieben und/oder produziert werden (ein Originalsong) und Sie müssen in der Lage sein, einen Spotify- und/oder Apple Music-Link zu dem Song einzureichen. Um einreichen zu können, müssen Studierende GRAMMY U-Mitglied sein.

Über GRAMMY U:

GRAMMY U ist ein Programm, das College-Studenten mit den klügsten und talentiertesten Köpfen der Branche verbindet und diesen angehenden Profis die Werkzeuge und Möglichkeiten bietet, die sie für den Start einer Karriere in der Musikbranche benötigen.

Jedes Semester befassen sich Veranstaltungen und Sonderprogramme mit allen Facetten der Branche, einschließlich Wirtschaft, Technologie und kreativem Prozess.

Als Teil der Mission der Recording Academy, sicherzustellen, dass die aufgezeichneten Künste ein blühender Teil unseres gemeinsamen kulturellen Erbes bleiben, schafft GRAMMY U die notwendige Grundlage für das Gedeihen der nächsten Musikgeneration.

Sie sind noch kein Mitglied, möchten aber unserer Playlist beitreten? Beantragen Sie hier die GRAMMY U-Mitgliedschaft.